21 in 2014
Everything happens so much
Por Georgina Portas y Mario Ponce
Bienvenidos al 2015 (con 2 meses de atraso). Como es ya tradición, cada año les comparto mi lista de las 21 canciones más relevantes y que más me volaron la cabeza. Escribí mucho sobre el 2014, fue un año intenso de clavádes. Sé que como dice mi amigo Humberto Polar escribir de música es como bailar de arquitectura, pero era necesario. Recuerden que esta lista puede alimentarse de otras con lo mejor del año y que la regla es una canción por artista (aunque muchas veces quisiera incluir más canciones del mismo, sí ¡te estoy hablando a ti Ariel Pink!). Sus comentarios son más que bienvenidos.
Al parecer, el 2014 será recordado como uno de los años más aburridos en la historia de la música, algo que lo afirma cualquier lista respetable y es constatado por la opinión de sus autores…para mí no. Creo que fue uno donde finalmente después de 15 años se vislumbra algo nuevo y completamente distinto a la tendencia iniciada por los Strokes en el 2000 (revivir contraculturas como credenciales para ser “cool”). Si durante ese periodo el enfoque estaba en que sonar, vestir y “namedropear” al pasado era lo cool, en éste el enfoque está en la búsqueda de lo real, lo auténtico y lo nuevo (dije búsqueda, no logro).
Lo vimos a finales de la década pasada con el micro-movimiento new sincerity, y también el año antepasado con las colecciones de moda enfocadas en el tan criticado norm-core. Sin embargo, la novedad y la autenticidad llega desde lugares más extraños y lejanos a la moda y las tendencias. Al inicio de esta década surgió el vaporwave, un micro-movimiento inspirado en música corporativa de los 80 y 90, el tan odiado new age, y la música y sonidos electrónicos del software barato y de mala calidad que surgió en los 90 (240 juegos ¡en un sólo CD-ROM!). El nombre que se le daba a este tipo de software era vaporware y de ahí su nombre. No es algo nuevo, pero es importante mencionarlo para entender el paisaje musical del 2014.
El movimiento, considerado por varios medios como género al nivel del punk en su DIY y ser accidentalmente contracultura, replica la falsedad y familiaridad engañosa de la cultura corporativa. Su lección más interesante nos hace recordar una regla matemática: +x+=+, +x-=-, -x-=+…. Menos por menos es igual a más. Al construir de forma falsa sobre música que es intencionalmente falsa, el resultado es auténtico y real, elemento que se distingue y se aleja de la parodia postmodernista; no es burla o crítica, es hacer lo mismo con la misma intención.
Esta lógica, al igual que la obsesión por las imágenes virtuales de principios de los 90 y el clipart, generaron un movimiento más artístico que popular influyendo en la creación de una nueva sensibilidad que va desde el Street Goth (Health Goth para algunas publicaciones) hasta lo que suena a pop del 2016. ¿A qué suena el pop del 2016? Para contestar esto recordemos primero la teoría política del “accelerecionismo”, concepto que el vaporwave traía ya dentro de su ADN y que ahora es más relevante que el micro-genero en sí. Desde Karl Marx se hablaba del “accelerecionismo”, que decía que la única manera de acabar con los modelos capitalistas prevalecientes en el mundo es acelerando su eventual y profetizado colapso. Esta filosofía no podría ser más vigente hoy, pues nos han repetido exhaustivamente que todo está mal, que empeorará y que es imposible evitar su trágica autodestrucción. Vivimos una época en la que estamos expuestos a una sobre estimulación exacerbada de la realidad misma, sumergidos en un mar de información, hiperactivo y contaminado, en el que nos ahogamos diario. Todo está pasando todo el tiempo y no tenemos la capacidad de digerir, entender y valorar lo que estamos viendo, parece que ya no hay necesidad de mantenerse actualizado, porque no hay nada a que actualizarse.
Ejemplificado dentro de los conceptos actuales de música popular, el “accelerecionismo” funciona como una máquina que cada vez gira más rápido hasta llegar al punto en el cual el deterioro y la transgresión de sus límites conducirán automáticamente a su propia histeria destructiva. Es decir, el mainstream se apropia de todos los micro-géneros, que al mismo tiempo se apropian del mainstream y lo pervierten en nuevos micro-géneros que se vuelven parte otra vez del mainstream, propiciando así un ciclo que cada día toma menos tiempo en repetirse. Probablemente la pieza más fuerte y absurda del “accelerecionismo” en la historia de la música es el Halloween Mixtape de PC Music, la disquera más relevante del año para muchos (https://www.youtube.com/watch?v=vNFnKFqew_M).
Sin embargo, el valor de PC Music no radica en la música que sus artistas producen, sino en su intención, que es curiosamente la misma que tenían los artistas de vaporwave: ser un espejo cultural obsesionado con la autodestrucción (parecen más post postpunk que otra cosa). No busca empezar o llegar a algo nuevo, literal es avanzar ciegamente entre un mundo de promesas agotadas que han superado lo placentero del absurdo.
Como dato extra, algo interesante que tienen en común tanto los artistas del vaporwave como la gente de PC Music, es una particular fascinación por el programa de los 2000, Tim and Eric Excellent Show Great Job!, así como por otros programas de televisión con los que la productora de Tim & Eric, Abso Lutely Productions ha estado involucrada (Review, Check it Out!, Comedy Bang Bang!, Eric Andre Show). Programas de comedia con un humor que raya entre el absurdo, lo surrealista y lo incomodo siempre usando métodos de producción y musicalización que podrían ser de los 80 y 90.
Mucho de lo anterior está en las 21 canciones; esta nueva sensibilidad que no se limita a un género o estilo, y tampoco busca ser cool, auténtica o real, simplemente es, creo, lo que sigue. Ojo, no todas entran dentro de ella, algunas son sencillamente canciones del año muy buenas.
Finalmente, uno de los ejemplos más interesantes de “accelerecionismo” que tuvo el año fue el video viral de Adult Swin, Too Many Cooks (http://youtu.be/QrGrOK8oZG8), así como la película Gone Girl de David Fincher, que aluden a lo falso de una manera imposible de tomar en serio de manera intencional. En el caso de Gone Girl, el soundtrack, creado por Trent Reznor e inspirado en "música relajante de spas” es sin duda la mejor manera de enfatizar la importancia de esta sensibilidad que comienza a permear el cine mainstream de señoras.
Por Georgina Portas y Mario Ponce
Bienvenidos al 2015 (con 2 meses de atraso). Como es ya tradición, cada año les comparto mi lista de las 21 canciones más relevantes y que más me volaron la cabeza. Escribí mucho sobre el 2014, fue un año intenso de clavádes. Sé que como dice mi amigo Humberto Polar escribir de música es como bailar de arquitectura, pero era necesario. Recuerden que esta lista puede alimentarse de otras con lo mejor del año y que la regla es una canción por artista (aunque muchas veces quisiera incluir más canciones del mismo, sí ¡te estoy hablando a ti Ariel Pink!). Sus comentarios son más que bienvenidos.
Al parecer, el 2014 será recordado como uno de los años más aburridos en la historia de la música, algo que lo afirma cualquier lista respetable y es constatado por la opinión de sus autores…para mí no. Creo que fue uno donde finalmente después de 15 años se vislumbra algo nuevo y completamente distinto a la tendencia iniciada por los Strokes en el 2000 (revivir contraculturas como credenciales para ser “cool”). Si durante ese periodo el enfoque estaba en que sonar, vestir y “namedropear” al pasado era lo cool, en éste el enfoque está en la búsqueda de lo real, lo auténtico y lo nuevo (dije búsqueda, no logro).
Lo vimos a finales de la década pasada con el micro-movimiento new sincerity, y también el año antepasado con las colecciones de moda enfocadas en el tan criticado norm-core. Sin embargo, la novedad y la autenticidad llega desde lugares más extraños y lejanos a la moda y las tendencias. Al inicio de esta década surgió el vaporwave, un micro-movimiento inspirado en música corporativa de los 80 y 90, el tan odiado new age, y la música y sonidos electrónicos del software barato y de mala calidad que surgió en los 90 (240 juegos ¡en un sólo CD-ROM!). El nombre que se le daba a este tipo de software era vaporware y de ahí su nombre. No es algo nuevo, pero es importante mencionarlo para entender el paisaje musical del 2014.
El movimiento, considerado por varios medios como género al nivel del punk en su DIY y ser accidentalmente contracultura, replica la falsedad y familiaridad engañosa de la cultura corporativa. Su lección más interesante nos hace recordar una regla matemática: +x+=+, +x-=-, -x-=+…. Menos por menos es igual a más. Al construir de forma falsa sobre música que es intencionalmente falsa, el resultado es auténtico y real, elemento que se distingue y se aleja de la parodia postmodernista; no es burla o crítica, es hacer lo mismo con la misma intención.
Esta lógica, al igual que la obsesión por las imágenes virtuales de principios de los 90 y el clipart, generaron un movimiento más artístico que popular influyendo en la creación de una nueva sensibilidad que va desde el Street Goth (Health Goth para algunas publicaciones) hasta lo que suena a pop del 2016. ¿A qué suena el pop del 2016? Para contestar esto recordemos primero la teoría política del “accelerecionismo”, concepto que el vaporwave traía ya dentro de su ADN y que ahora es más relevante que el micro-genero en sí. Desde Karl Marx se hablaba del “accelerecionismo”, que decía que la única manera de acabar con los modelos capitalistas prevalecientes en el mundo es acelerando su eventual y profetizado colapso. Esta filosofía no podría ser más vigente hoy, pues nos han repetido exhaustivamente que todo está mal, que empeorará y que es imposible evitar su trágica autodestrucción. Vivimos una época en la que estamos expuestos a una sobre estimulación exacerbada de la realidad misma, sumergidos en un mar de información, hiperactivo y contaminado, en el que nos ahogamos diario. Todo está pasando todo el tiempo y no tenemos la capacidad de digerir, entender y valorar lo que estamos viendo, parece que ya no hay necesidad de mantenerse actualizado, porque no hay nada a que actualizarse.
Ejemplificado dentro de los conceptos actuales de música popular, el “accelerecionismo” funciona como una máquina que cada vez gira más rápido hasta llegar al punto en el cual el deterioro y la transgresión de sus límites conducirán automáticamente a su propia histeria destructiva. Es decir, el mainstream se apropia de todos los micro-géneros, que al mismo tiempo se apropian del mainstream y lo pervierten en nuevos micro-géneros que se vuelven parte otra vez del mainstream, propiciando así un ciclo que cada día toma menos tiempo en repetirse. Probablemente la pieza más fuerte y absurda del “accelerecionismo” en la historia de la música es el Halloween Mixtape de PC Music, la disquera más relevante del año para muchos (https://www.youtube.com/watch?v=vNFnKFqew_M).
Sin embargo, el valor de PC Music no radica en la música que sus artistas producen, sino en su intención, que es curiosamente la misma que tenían los artistas de vaporwave: ser un espejo cultural obsesionado con la autodestrucción (parecen más post postpunk que otra cosa). No busca empezar o llegar a algo nuevo, literal es avanzar ciegamente entre un mundo de promesas agotadas que han superado lo placentero del absurdo.
Como dato extra, algo interesante que tienen en común tanto los artistas del vaporwave como la gente de PC Music, es una particular fascinación por el programa de los 2000, Tim and Eric Excellent Show Great Job!, así como por otros programas de televisión con los que la productora de Tim & Eric, Abso Lutely Productions ha estado involucrada (Review, Check it Out!, Comedy Bang Bang!, Eric Andre Show). Programas de comedia con un humor que raya entre el absurdo, lo surrealista y lo incomodo siempre usando métodos de producción y musicalización que podrían ser de los 80 y 90.
Mucho de lo anterior está en las 21 canciones; esta nueva sensibilidad que no se limita a un género o estilo, y tampoco busca ser cool, auténtica o real, simplemente es, creo, lo que sigue. Ojo, no todas entran dentro de ella, algunas son sencillamente canciones del año muy buenas.
Finalmente, uno de los ejemplos más interesantes de “accelerecionismo” que tuvo el año fue el video viral de Adult Swin, Too Many Cooks (http://youtu.be/QrGrOK8oZG8), así como la película Gone Girl de David Fincher, que aluden a lo falso de una manera imposible de tomar en serio de manera intencional. En el caso de Gone Girl, el soundtrack, creado por Trent Reznor e inspirado en "música relajante de spas” es sin duda la mejor manera de enfatizar la importancia de esta sensibilidad que comienza a permear el cine mainstream de señoras.
21
A.G. Cook - "Keri Baby"
El artista más conocido de la disquera PC Music y además su fundador. “Keri Baby” es un abuso extremo al pop, influenciado por el J-POP y/o el K-POP (no conozco la diferencia). Concentra 20 años de música pop en una pieza que lo que carece en refinamiento, lo supera en recordación y diversión. El estilo y la energía de la canción inevitablemente nos hacen pensar en publicidad japonesa. ¿Quién no ve a Taylor Swift trabajando con él en su próximo disco?
20
Manic Street Preachers - "Europa Geht Durch Mich"
Es imposible escuchar esta canción y no sentir la necesidad de marchar y saludar con orgullo al símbolo que alguna vez fue Europa. El título de la canción “Europa pasa por mi” no es más que un recordatorio de lo que solía ser Europa y la manera en la que ésta continúa desapareciendo en sí misma. En un momento en la historia donde el desempleo, la economía, el terrorismo, el regreso del fascismo, la ultraderecha y el miedo a un colapso masivo son tan latentes en el viejo continente, esta canción representa ominosamente a una Europa que parece estar retrocediendo en el tiempo…versión pop.
19
Kero Kero Bonito - "Sick Beat"
Si jugaron Super Mario después del 91, reconocerán el sonido a lo largo de toda la canción, el “cua cua”. La influencia de Japón y sus exportaciones populares (videojuegos, J-POP, etc) es demasiado obvia, sin caer en clichés del chiptune. El tema de la canción es literalmente lo buena que es la intérprete en videojuegos "No matter how many hours a day/ I could win at any game/ Whether you're a boy, or a girl, or a super-computer.” Kero Kero Bonito no son japoneses, es un proyecto Inglés donde la fascinación por el J-POP, los videojuegos y el idioma japonés se transforman en una pieza que es tan imposible de tomar en serio como ignorar.
18
Arca - “Sisters"
A sus 25 años, el venezolano Alejandro Ghersi ya cuenta con una de las carreras mas prometedoras de la década. Durante el 2013 sirvió como uno de los “consultores” para el disco de Yeezus de Kanye West, en 2014 produjo el EP2 de FKA Twigs (del cual varias canciones aparecieron en el disco LP1 de FKA Twigs, considerado por muchos medios como uno de los 5 mejores discos del año) y si todo esto no fuera suficiente, produjo el nuevo disco de Björk (es importante mencionar que es la primera vez que Björk trabaja únicamente con un sólo productor en un disco).
Sin embargo, lo que más me ha sorprendido de su trabajo es su disco Xen, en especial el track “Sisters”. Usa elementos del vaporwave con beats que podrían ser interpretados como “reggaeton con benzodiazepinas” e influenciado por el extrañísimo fenómeno digital del “Black MIDI” (http://knowyourmeme.com/memes/black-midi). Arca es indudablemente uno de los artistas que claramente ha derribado paradigmas sobre lo que es la música popular y/o puede ser. El futuro suena más o menos así.
Sin embargo, lo que más me ha sorprendido de su trabajo es su disco Xen, en especial el track “Sisters”. Usa elementos del vaporwave con beats que podrían ser interpretados como “reggaeton con benzodiazepinas” e influenciado por el extrañísimo fenómeno digital del “Black MIDI” (http://knowyourmeme.com/memes/black-midi). Arca es indudablemente uno de los artistas que claramente ha derribado paradigmas sobre lo que es la música popular y/o puede ser. El futuro suena más o menos así.
17
Aphex Twin - "Syro u473t8+e (Piezoluminescence mix)"
En 13 años no habíamos tenido un disco per se de Richard D. James, si no saben quien es entonces pues no tengo nada que decirles y no tienen porque estar escuchando esta lista (https://en.wikipedia.org/wiki/Aphex_Twin). Admito que la sorpresa de un nuevo disco de Aphex Twin no superó mis expectativas, pero no hay que olvidar que todos los benchmarks de música electrónica los impuso su obra. Sin embargo, sí fue inesperado encontrar a un Aphex Twin un tanto más funky, tan análogo e histérico como siempre, lo cual ya era necesario. El padre de todo regresa diciendo “sigan haciendo sus musiquitas electrónicas niños”.
16
Andy Stott - "Faith in Strangers"
Hace unos meses escuchando en el auto “Faith in Strangers” junto a un compañero de trabajo que se jacta de ser muy fan de la electrónica (es de la banda que va a EDC) me dijo: me encanta el “chillout”. Claro, es “chillout”, tanto como Shakira es rock, Demi Lovato RnB y Fifty Shades of Grey una novela erótica. Ese término es probablemente de los más sucios que hay y que han perdido su significado (Sí Deep House te estoy hablando a ti también), pero si es necesaria la clasificación, OK, es chillout.
Andy Stott es un artista de techno oriundo de Manchester, que constantemente genera música inclasificable, aunque nunca había sorprendido con una pieza tan elegante y melancólica como “Faith in Strangers”. Con sonidos que parecen venir desde construcciones abandonadas, guiadas por un bajo salido del Manchester de finales de los 70, Andy Stott invoca de alguna manera el alma del postpunk pero en el contexto del mundo feliz de Huxley.
Andy Stott es un artista de techno oriundo de Manchester, que constantemente genera música inclasificable, aunque nunca había sorprendido con una pieza tan elegante y melancólica como “Faith in Strangers”. Con sonidos que parecen venir desde construcciones abandonadas, guiadas por un bajo salido del Manchester de finales de los 70, Andy Stott invoca de alguna manera el alma del postpunk pero en el contexto del mundo feliz de Huxley.
15
El Columpio Asesino - “Babel"
Si “Europa Geht Durch Mich” de los Manic Street Preachers suena a una marcha militar y un saludo al pasado ante la tragedia, “Babel” de la agrupación española El Columpio Asesino, es un grito de furia y terror ante el colapso. Una canción sumamente gráfica que encierra la tragedia y violencia en la que está moviéndose Europa, ("ha aparecido abandonada una mochila en una estación / dime ¿por qué tuvo que suceder?”). Con una clara influencia de las bandas proto-industriales de los 70, Suicide y Throbbing Gristle, El Columpio Asesino sorprende con un disco que suena a desesperanza y desesperación, la pregunta es ¿son una crónica o un premonición?
14
How to Dress Well - "Repeat Pleasure”
Siempre he sido fan de Tom Krell; su melancolía, su tristeza y su capacidad para moldear el pop a su manera son a mi parecer todos los requerimientos de un buen artista. Fue una sorpresa que de pronto hiciera una canción tan llena de amor, esperanza y (dare I say it) felicidad, aún ante la perdida del amor, o de la alegría de estar triste. De pronto Tom Krell suena más a Blood Orange, que Dev Hynes, revelando en su letra las eternas complicaciones de la relaciones humanas: “Yeah, once you got it, you’ll want something else.”
13
Flying Lotus - "Never Catch Me (feat. Kendrick Lamar)”
Flying Lotus lleva casi 10 años mostrándonos por qué al día de hoy el lugar más relevante para la música es Los Angeles, y, con su elegante mezcla de electrónica, RnB, Hip Hop y Jazz, se ha convertido en uno de los artistas más importantes de la década y más representativos de la legendaria Warp Records. Ha tenido 2 años muy buenos; el pasado como residente de una estación de radio en Grand Theft Auto V (el producto de entretenimiento que se ha vendido más rápido en la historia) y este año con lo que es, en mi opinión, su álbum mejor logrado: You’re Dead! el cual es un viaje psicodélico post-mortem.
Pienso que la mezcla de géneros en el disco remite al “Bitches Brew” de 1970 de Miles Davis, una de sus obras culminantes del afamado jazzista, donde el jazz fusión empezó a re influenciar y recrear nuevos géneros y estilos. El jazz está en el ADN de Steven Ellison (Flying Lotus), es sobrino-nieto de la fallecida pianista de jazz Alice Coltrane y su esposo John Coltrane (quien trabajó durante mucho tiempo con Miles Davis). En este track, Flying Lotus logra sintetizar todos los géneros de su interés en una pieza que supera cualquier cosa que Kanye West ha hecho, y además, cuenta con la voz del muy probable heredero del trono de Kanye, Kendrick Lamar.
Pienso que la mezcla de géneros en el disco remite al “Bitches Brew” de 1970 de Miles Davis, una de sus obras culminantes del afamado jazzista, donde el jazz fusión empezó a re influenciar y recrear nuevos géneros y estilos. El jazz está en el ADN de Steven Ellison (Flying Lotus), es sobrino-nieto de la fallecida pianista de jazz Alice Coltrane y su esposo John Coltrane (quien trabajó durante mucho tiempo con Miles Davis). En este track, Flying Lotus logra sintetizar todos los géneros de su interés en una pieza que supera cualquier cosa que Kanye West ha hecho, y además, cuenta con la voz del muy probable heredero del trono de Kanye, Kendrick Lamar.
12
Caribou - "Silver"
Para mi Caribou es de esos músicos que amas odiar, ya sea por envidia a su talento o por su cara y actitud de niño bueno. Sin embargo, es imposible ignorar el impacto e influencia que sus piezas siempre generan. En un género tan lleno de mierda como lo es la música electrónica, Caribou invariablemente logra hacer música elegante y progresista, sin perder el estilo cursi que lo ha llevado a tener tanta fan (¿fui muy sexista?). “Silver”, creo representa un avance en el artista, una pieza sumamente simple y sin ninguna pretensión, más que el demostrar un gran amor por los sintetizadores y las posibilidades emocionales que representan. En verdad un track que (como han dicho miles en la historia) demuestra que en verdad hay un alma en la máquina. En verdad de verdad. ¿No suena un poco a el nivel de "Dire Dire Docks" de Super Mario 64? (https://www.youtube.com/watch?v=cTl0ky4DcHA)
11
Oneohtrix Point Never - "Music for Steamed Rocks”
Daniel Lopatin es una institución, considerado por muchos como el papá y creador del vaporwave gracias a un mixtape rarísimo que realizó en 2010 (https://www.youtube.com/watch?v=X8fM-CGQVCY). Es un artista que vive justo entre la música popular y el arte experimental. De igual forma es posible verlo tocar en galerías y/o museos, como el PS1 de MoMA con su proyecto Oneohtrix Point Never, así como en festivales de música, con su proyecto 80ero Ford & Lopatin.
Cuando era niño, una de mis cosas favoritas era ver documentales en pantallas IMAX, o subirme a juegos oscuros en Disney World, y la música de Lopatin siempre me recuerda esas experiencias. Es probablemente mi músico favorito actual después de Trent Reznor. En el 2014 lanzó en Warp Records (mencionada en esta lista) un EP con 3 piezas que fueron comisionadas a Lopatin para cine, instalación y performance. De las 3, mi favorita es “Music for Steamed Rocks”, pieza comisionada para el festival polaco de música y arte "Sacrum Profanum". Su punto de partida es reinterpretar los Preludios del músico polaco Witold Lutosławski. Al muy particular estilo de Lopatin, usa técnicas de la música electrónica que no se han usado en tanto tiempo que parece que se escuchan por primera vez. No dejen de oír su disco Replica del 2011 y R Plus Seven del 2013.
Cuando era niño, una de mis cosas favoritas era ver documentales en pantallas IMAX, o subirme a juegos oscuros en Disney World, y la música de Lopatin siempre me recuerda esas experiencias. Es probablemente mi músico favorito actual después de Trent Reznor. En el 2014 lanzó en Warp Records (mencionada en esta lista) un EP con 3 piezas que fueron comisionadas a Lopatin para cine, instalación y performance. De las 3, mi favorita es “Music for Steamed Rocks”, pieza comisionada para el festival polaco de música y arte "Sacrum Profanum". Su punto de partida es reinterpretar los Preludios del músico polaco Witold Lutosławski. Al muy particular estilo de Lopatin, usa técnicas de la música electrónica que no se han usado en tanto tiempo que parece que se escuchan por primera vez. No dejen de oír su disco Replica del 2011 y R Plus Seven del 2013.
10
Jamie xx - "Girl"
Para todos aquellos vírgenes, sí, Jamie xx es parte de The XX, y, es seguramente el genio detrás del grupo. Él es el encargado de la construcción de las atmósferas y los beats que le dan el sonido tan distintivo. Por lo tanto, no es sorpresa alguna que su música como solista suene a The XX sin la parte cursi, pero conservando su fuerte lado sugestivo. Influenciado de forma inegable por todo el postbass music inglés (ya no se puede decir dubstep inglés) que ha surgido en los últimos 15 años, “Girl” es una pieza que funciona tanto en una fiesta, como en un restaurante, como en un viaje en coche… siempre y cuando sea de noche, la oscuridad es un elemento subyacente dentro de la canción.
9
Holly Herndon - “Chorus”
Se ha hablado mucho del vaporwave y de su influencia durante el año. Holly Herndon es parte a lo mejor del post-vaporwave, donde la música creada de manera digital se relaciona más con el arte contemporáneo que con la música de fiesta y festivales. Herndon realiza experimentos sónicos usando únicamente su voz y laptop, creando auténticos espacios sonoros (https://www.youtube.com/watch?v=ya0yVsfVSX4).
Aunque no se puede decir que es la primera, el enfoque que le da a sus composiciones y su capacidad para replicar sus experimentos en vivo, la hace en una artista particular y sobresaliente. “Chorus” es una clara muestra de ello, donde la experimentación nunca provoca una pérdida de sentido y espacio, y en la que siempre puedes anclarte a algo familiar, como un coro (Chorus… get it?). El video usa técnicas de mapeo y es dirigido por el artista digital Akihiko Taniguchi, donde contempla los espacios digitales y las atmósferas mundanas desde donde exploramos. Es también mi video favorito del año.
Aunque no se puede decir que es la primera, el enfoque que le da a sus composiciones y su capacidad para replicar sus experimentos en vivo, la hace en una artista particular y sobresaliente. “Chorus” es una clara muestra de ello, donde la experimentación nunca provoca una pérdida de sentido y espacio, y en la que siempre puedes anclarte a algo familiar, como un coro (Chorus… get it?). El video usa técnicas de mapeo y es dirigido por el artista digital Akihiko Taniguchi, donde contempla los espacios digitales y las atmósferas mundanas desde donde exploramos. Es también mi video favorito del año.
8
Nils Frahm - “Says”
Nils Frahm, pianista y compositor alemán que siempre ha coqueteado con lo más selecto de la música electrónica. Durante el 2013 grabo Spaces una colección de música grabada y tocada en vivo alrededor del mundo. Entre esta colección se encuentra “Says”, pieza sobresaliente del disco por su impacto emotivo y estructura a lo largo de sus 8 minutos. Inspirado obviamente en los trabajos minimalistas de Steve Reich, Phillip Glass y Michael Nyman durante los 70; Nils Frahm construye con un piano, un sintetizador y un Space Echo como únicos recursos, composición de tal intensidad que deja en ridículo a una orquesta. En serio, no van a escuchar nada más épico este año.
7
Yumi Zouma - “Alena”
Pop, posiblemente el género con más prejuicios. Recordemos que Pop puede ser The Beatles, Justin Bieber, Ace of Base o David Bowie (en alguno de sus personajes por lo menos). Claro que hay diferentes niveles del género, y si existe algo como “Pop del bueno” no se me ocurre nada mejor que Yumi Zouma.
Una banda que no podría existir sin el internet (se conocieron en Nueva Zelanda, pero ahora viven entre Nueva York y Paris, palabras suyas) y con una fuerte influencia del dream-pop/baleric-beat/chillwave/whateverwavecorebeatpop, de Air France, tan popular hace 5 años (hoy tus influencias son bandas que dejaron de existir hace un par de días). Me suenan a los 90 de Saint Etienne, lo cual me llena de felicidad y alegría, música que funciona como SOMA para el alma. Estarán repitiendo el coro en su cabeza durante semanas.
Una banda que no podría existir sin el internet (se conocieron en Nueva Zelanda, pero ahora viven entre Nueva York y Paris, palabras suyas) y con una fuerte influencia del dream-pop/baleric-beat/chillwave/whateverwavecorebeatpop, de Air France, tan popular hace 5 años (hoy tus influencias son bandas que dejaron de existir hace un par de días). Me suenan a los 90 de Saint Etienne, lo cual me llena de felicidad y alegría, música que funciona como SOMA para el alma. Estarán repitiendo el coro en su cabeza durante semanas.
6
Sylas - “Hollow”
Hace un par de años apareció un joven que mezclaba el dubstep inglés (bueno, en ese entonces no era una palabra sucia), con el soul norteamericano y un poco de blues. Su nombre era James Blake, y por un par de años fue el artista favorito de todas las publicaciones existentes, sin importar si era revista de tu mamá o fanzine. Sin embargo, después de un ultra-hypeado y mediocre segundo disco, se pensó que la fórmula de Blake no llegaría a ningún lado, hasta que llegó Sylas.
El grupo, (formado por dos jóvenes aún misteriosos) conoció por serendipia a Brian Eno (si no saben quién es… ugh, https://en.wikipedia.org/wiki/Brian_Eno). Eno ayudó con la producción y generó “hype”, aunque él afirma “el sonido es completamente suyo, yo no tuve que ver con eso”. Sylas suena a lo que James Blake debió haber hecho en un segundo disco: salirse de las convenciones pop y experimentar con el área más oscura del alma. ¿A qué suena “Hollow”? a un diálogo interno y atormentado, entre el bien y el mal.
El grupo, (formado por dos jóvenes aún misteriosos) conoció por serendipia a Brian Eno (si no saben quién es… ugh, https://en.wikipedia.org/wiki/Brian_Eno). Eno ayudó con la producción y generó “hype”, aunque él afirma “el sonido es completamente suyo, yo no tuve que ver con eso”. Sylas suena a lo que James Blake debió haber hecho en un segundo disco: salirse de las convenciones pop y experimentar con el área más oscura del alma. ¿A qué suena “Hollow”? a un diálogo interno y atormentado, entre el bien y el mal.
5
Leon Vynehall - "Inside the Deku Tree”
El nombre del disco debut de Leon Vynehall lo dice todo, Music for the Uninvited, una referencia directa a las comunidades negras, latinas y homosexuales, quienes son a final de cuentas los padres olvidados del house. El disco es un homenaje espectacular a dicho género y a su historia, tratando cada elemento con el nivel de respeto que un homenaje necesita. Se pueden escuchar elementos de cada versión y época, desde composiciones que claramente emulan el sonido del Paradise Garage de Larry Levan en el 84, hasta sonidos del verano del amor y el revival del house actual.
Sin embargo, en mi opinión el primer track es sin duda el que verdaderamente sobresale; funciona como preámbulo pero también representa un extrañísimo caso de house sin beat y sin bajo. Jamás imagine que llegaría a escuchar esto en mi vida. El título de la canción es una referencia a un personaje y calabozo del juego de Nintendo 64, The Legend of Zelda: Ocarina of Time de 1997, y hay algo en ella que remite justamente a la música de dicha serie.
Sin embargo, en mi opinión el primer track es sin duda el que verdaderamente sobresale; funciona como preámbulo pero también representa un extrañísimo caso de house sin beat y sin bajo. Jamás imagine que llegaría a escuchar esto en mi vida. El título de la canción es una referencia a un personaje y calabozo del juego de Nintendo 64, The Legend of Zelda: Ocarina of Time de 1997, y hay algo en ella que remite justamente a la música de dicha serie.
4
Lone - "Airglow Fires”
Cada año hay una canción de Lone que decido no poner en mi lista, es demasiado electrónica, no es tan relevante, son sólo cosas que a mi me gustan, etc. Esta vez es imposible no incluirla, es sin lugar a dudas un avance y un siguiente paso en el house. La paleta de sonidos repasa los sonidos MIDI de los 90, incluso remite a los temas usados en Microsft Windows durante dicha década. Es una belleza, un house con niveles de sofisticación tan gourmet que hacen cualquier otra canción en un dj set suene ridícula (la música electrónica me gusta aún menos después de haberla escuchado).
El disco de Lone, Reality Testing es igual de espectacular, tomando elementos del IDM (https://en.wikipedia.org/wiki/Intelligent_dance_music) de los 90, y homenajeando el sonido de 808 State, Matt Cutler ha creado su propio lenguaje y códigos en un género sobresaturado de pretensión, circo y obviedad. La canción es impecablemente y cuenta con un: “What”, tributo directo al finado J Dilla, uno de los nombres más importantes e influyentes en la historia del hip-hop.
El disco de Lone, Reality Testing es igual de espectacular, tomando elementos del IDM (https://en.wikipedia.org/wiki/Intelligent_dance_music) de los 90, y homenajeando el sonido de 808 State, Matt Cutler ha creado su propio lenguaje y códigos en un género sobresaturado de pretensión, circo y obviedad. La canción es impecablemente y cuenta con un: “What”, tributo directo al finado J Dilla, uno de los nombres más importantes e influyentes en la historia del hip-hop.
3
Mac Demarco - "Chamber of Reflection"
Cuando descubrí a Mac Demarco pensé que era sólo un rip-off canadiense de Ariel Pink. Lo amé de igual forma, por su “Lo-fismo”, su sentido del humor, su capacidad infinita para crear melodías en un tiempo donde éstas son un “nice to have” de la música y su evidente fascinación por el sonido A.M. Yacht Rock de finales de los 70 y principios de los 80.
No pude haber estado más equivocado, es un bicho completamente distinto, pero no por eso menos raro. De pronto un día vi un video de un festival de Pitchfork, donde al final de su set sube a su novia, le dedica una canción y comienza a interactuar con ella de una manera que no parecía calculada o ensayada. Ese momento marcó para mi el fin de los 2000, el fin de la necesidad de que tus artistas fueran cool, el fin de la pose, era algo tan estúpido y torpe que caí completamente enamorado de él, era la antítesis del cool rockstar.
El hype de Demarco explotó de manera cósmica. En internet comenzaron a correr rumores de que había terminado su relación con Kiki (su novia en dicho video) porque él estaba constantemente de gira. En el 2014, en pleno hype, lanzó su tercer álbum en 2 años; Salad Days, en el que su sonido se empezó a alimentar de más instrumentos. Por primera vez los teclados empezaron a hacerse presentes y su sentido del humor, no desapareció pero quedó en un segundo plano.
"Chamber of Reflection” es una introspección sobre lo que significa estar solo y todo lo que lleva a una persona a terminar una relación de manera involuntaria. Es sumamente simple, sin pretensiones, ni grandes estructuras o cambios armónicos. Demarco es una persona simple con gustos simples como: los pedos, mostrar su pene en público y la cerveza. Curiosamente, en este caso, comprueba que la simplicidad sí es la máxima sofisticación que existe.
No pude haber estado más equivocado, es un bicho completamente distinto, pero no por eso menos raro. De pronto un día vi un video de un festival de Pitchfork, donde al final de su set sube a su novia, le dedica una canción y comienza a interactuar con ella de una manera que no parecía calculada o ensayada. Ese momento marcó para mi el fin de los 2000, el fin de la necesidad de que tus artistas fueran cool, el fin de la pose, era algo tan estúpido y torpe que caí completamente enamorado de él, era la antítesis del cool rockstar.
El hype de Demarco explotó de manera cósmica. En internet comenzaron a correr rumores de que había terminado su relación con Kiki (su novia en dicho video) porque él estaba constantemente de gira. En el 2014, en pleno hype, lanzó su tercer álbum en 2 años; Salad Days, en el que su sonido se empezó a alimentar de más instrumentos. Por primera vez los teclados empezaron a hacerse presentes y su sentido del humor, no desapareció pero quedó en un segundo plano.
"Chamber of Reflection” es una introspección sobre lo que significa estar solo y todo lo que lleva a una persona a terminar una relación de manera involuntaria. Es sumamente simple, sin pretensiones, ni grandes estructuras o cambios armónicos. Demarco es una persona simple con gustos simples como: los pedos, mostrar su pene en público y la cerveza. Curiosamente, en este caso, comprueba que la simplicidad sí es la máxima sofisticación que existe.
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Real Lies - "Dab Housing"
Descubrí esta canción por otro extraordinario sencillo de Real Lies que tienen que escuchar, “North Circular”. Sin embargo, “Dab Housing” es realmente una de las piezas más Londinenses que he escuchado en años. El grupo está formado por 3 jóvenes que desde hace varios años hacen música, pero públicamente sólo desde en el 2013 con “Deeper”. Su enfoque emerge de una realidad: la escena musical en Londres lleva 15 años siendo totalmente “irrelevante y aburrida” y hace falta construir un sonido propio, de la ciudad.
Cualquiera de los 3 sencillos que han lanzado desde el 2013 suena a Londres. Su sencillo, “North Circular” por ejemplo, es un tema con tintes de Everything But the Girl de mediados de los 90. La canción incluye una narrativa cargada de melancolía, tristeza e inercia, elementos que se despiertan en el autor al viajar por North Circular (avenida que cruza todo el norte de Londres). El motivo de su viaje: la búsqueda de alguien a quien perdió.
“Dab Housing” (el lado-B de “North Circular”) tiene una clara influencia del “pop empapado de reggae” inglés, y, un espíritu juvenil que celebra el verano en las zonas “working class” de la ciudad. ¿A qué suena Real Lies? Suena a la sofisticación inglesa de los early Pet Shop Boys, pero viviendo en la era de David Cameron. Un ejemplo que afirma que Londres está cada vez más cerca de superar sus aburridísimos 00´s.
Cualquiera de los 3 sencillos que han lanzado desde el 2013 suena a Londres. Su sencillo, “North Circular” por ejemplo, es un tema con tintes de Everything But the Girl de mediados de los 90. La canción incluye una narrativa cargada de melancolía, tristeza e inercia, elementos que se despiertan en el autor al viajar por North Circular (avenida que cruza todo el norte de Londres). El motivo de su viaje: la búsqueda de alguien a quien perdió.
“Dab Housing” (el lado-B de “North Circular”) tiene una clara influencia del “pop empapado de reggae” inglés, y, un espíritu juvenil que celebra el verano en las zonas “working class” de la ciudad. ¿A qué suena Real Lies? Suena a la sofisticación inglesa de los early Pet Shop Boys, pero viviendo en la era de David Cameron. Un ejemplo que afirma que Londres está cada vez más cerca de superar sus aburridísimos 00´s.
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Ariel Pink - "White Freckless"
Ariel Pink es un genio, tal vez un bufón “amadeusesco” que va más allá de lo post-moderno. Hijo de un Colonoscopista judio-mexicano y educado en la legendaria Beverly Hills High School, comenzó su carrera a finales de los 90 produciendo música de manera completamente casera, usando cassettes para grabar y distribuir. Un día Animal Collective descubrió su potencial en uno de sus discos (o cassette, la leyenda confirma ambas versiones) y lo convirtieron en el primer artista de su disquera Paw Tracks. En los últimos 5 años, ocasionado directa e indirectamente por Pink, se generó el chillwave; hubo un revival del Yacht Rock y el sonido A.M.; regresamos a la idea de distribuir música en cassettes y se puso de moda masterizar la música en cintas Reel to Reel; etc, etc.
Pink estaba adelantado a su época por 15 años. No es nueva la idea de que es fácil producir música de alta fidelidad y que lo difícil es hacer buen Lo-fi, (los Beach Boys lo hacían), pero el talento de Pink está en logra que las cosas suenen tan viejas que suenan a nuevas, su música parece surgir de un universo paralelo donde el verdadero sonido de los 70, 80 y 90 era diferente al que fue, más extraño y divertido.
Pink también es un genio en la creación de melodías memorables, en una época en la que éstas son cada vez menos importantes, la capacidad melódica de Pink sobresale con canciones imposibles de sacarse de la cabeza, como goma de mascar en el zapato. Obvio su disco del 2014 pom pom es mi disco favorito del año, está lleno de momentos inolvidables y una capacidad infinita para reinterpretar y apropiarse de un gran número de géneros de manera espectacular. No es un disco con influencia del vaporwave, pero sí una versión Lo-fi del “accelerecionismo”, donde se toma toda la cultura pop (desde los 60 hasta los 90), se mezcla y se convierte en otra cosa, sin perder su familiaridad.
Fue muy difícil escoger una canción de dicho disco, pero creo que “White Freckless” sintetiza no sólo lo grandioso de pom pom, sino de la carrera de Pink, muestra tanto genialidad como sentido del humor, literal está dedicada a las pecas blancas: “She got them at the tanning salon / White freckles / That stencils sticking, let's get it on / White freckles / Tâches de rousseur mon qui moi? / White freckles / Bar-B-Cutie, where'd you get those /White freckles / Gucci Gucci, means the black stilettos / White freckles…” todo con un tono que podría ser el jingle de algún producto (como la canción llamada “Jell-O” del mismo disco que bien podría ser un jingle de dicha marca en 1983).
En octubre del 2014 Pink estuvo involucrado en un mini escándalo al decir que Madonna lo invitó a participar en su nuevo álbum, a lo que Pink dijo: "She can’t just have her Avicii, her producers or whatever, come up with a new techno jam for her to gyrate to and pretend that she’s 20 years old. They actually need songs. I’m partly responsible for that return-to-values thing”. El equipo de Madonna declaró que era mentira y que jamás habían escuchado de él. Verdad o no, creo que es una muestra muy clara de lo que es Ariel Pink, un bromista que vive en el pop del pasado, pero sin respeto alguno por el.
Pink estaba adelantado a su época por 15 años. No es nueva la idea de que es fácil producir música de alta fidelidad y que lo difícil es hacer buen Lo-fi, (los Beach Boys lo hacían), pero el talento de Pink está en logra que las cosas suenen tan viejas que suenan a nuevas, su música parece surgir de un universo paralelo donde el verdadero sonido de los 70, 80 y 90 era diferente al que fue, más extraño y divertido.
Pink también es un genio en la creación de melodías memorables, en una época en la que éstas son cada vez menos importantes, la capacidad melódica de Pink sobresale con canciones imposibles de sacarse de la cabeza, como goma de mascar en el zapato. Obvio su disco del 2014 pom pom es mi disco favorito del año, está lleno de momentos inolvidables y una capacidad infinita para reinterpretar y apropiarse de un gran número de géneros de manera espectacular. No es un disco con influencia del vaporwave, pero sí una versión Lo-fi del “accelerecionismo”, donde se toma toda la cultura pop (desde los 60 hasta los 90), se mezcla y se convierte en otra cosa, sin perder su familiaridad.
Fue muy difícil escoger una canción de dicho disco, pero creo que “White Freckless” sintetiza no sólo lo grandioso de pom pom, sino de la carrera de Pink, muestra tanto genialidad como sentido del humor, literal está dedicada a las pecas blancas: “She got them at the tanning salon / White freckles / That stencils sticking, let's get it on / White freckles / Tâches de rousseur mon qui moi? / White freckles / Bar-B-Cutie, where'd you get those /White freckles / Gucci Gucci, means the black stilettos / White freckles…” todo con un tono que podría ser el jingle de algún producto (como la canción llamada “Jell-O” del mismo disco que bien podría ser un jingle de dicha marca en 1983).
En octubre del 2014 Pink estuvo involucrado en un mini escándalo al decir que Madonna lo invitó a participar en su nuevo álbum, a lo que Pink dijo: "She can’t just have her Avicii, her producers or whatever, come up with a new techno jam for her to gyrate to and pretend that she’s 20 years old. They actually need songs. I’m partly responsible for that return-to-values thing”. El equipo de Madonna declaró que era mentira y que jamás habían escuchado de él. Verdad o no, creo que es una muestra muy clara de lo que es Ariel Pink, un bromista que vive en el pop del pasado, pero sin respeto alguno por el.